Cristina Torres

Cristina Torres (Ciudad de México, 1989). Historiadora del arte por la UIA. Es artista, escritora, curadora y educadora en arte contemporáneo.
Su obra se ha expuesto en Museo Abstracto, en colaboración con Christian Camacho (ESPAC); The House of Oscar Wilde (Trinity Oscar Wilde Centre, Dublín) y Conversar en forma de libro (PAOS). Ha curado las exposiciones Conexiones naturales. Arte*Vida junto con Esteban King (CCXV), Inter/medio junto con Laura Orozco (ESPAC), y Doble crimen (MULF).Ha colaborado con el MUNAL, el Museo Tamayo, el Museo Jumex, el Museo Internacional del Barroco e InSite Casa Gallina en el desarrollo de prácticas de aprendizaje experimental. Es miembrx del colectivo Proyecto Escrituras Experimentales. Actualmente escribe para la sección editorial de OndaMX. Ha colaborado con diversas publicaciones sobre exposiciones, escritura experimental y pedagogías radicales.

La obra es un párrafo-ecuación-pintura dedicada a Perséfone, la diosa de la primavera, y su viaje cíclico entre el nacimiento y el inframundo, el más allá del tiempo. Permanecerá inacabada siempre; abre por primera vezconfigurada como una instalación y a partir de ahora seguirá creciendo, decreciendo y mutando.


Judith Romero

Fotógrafa y diseñadora editorial. Vive y trabaja en Oaxaca, México. Desde 2015 dirige la galería de fotografía Resplandor —enfocada a la difusión de fotografía latinoamericana—. Ha diseñado libros especializados en arte, literatura, investigación social y fotografía, así como diversas colecciones de libros para instituciones académicas de la ciudad de Oaxaca. Estudió la licenciatura en derecho y ciencias sociales en la Universidad de Autónoma Benito Juárez de Oaxaca. Ha cursado diversos talleres y diplomados de fotografía e impresión digital fine art en el Centro de las Artes de San Agustín Etla (CaSa) y en el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo (CFMAB), de la ciudad de Oaxaca. Algunas de las series fotogrfáicas que ha realizado son:
Otras Mujeres, Biodesnudez, Pasajera en tránsito, Intersecciones
(Fotografía + Textil), Nosotras: narrativas para un futuro, entre otras.

Obra bidimensional. Fotografías a color realizadas con cámara digital. La selección de la obra contiene retratos de algunas mujeres consideradas en el proyecto, así como objetos de sus espacios laborares y domésticos. Además, se incluyen paisajes que se vinculan a sus experiencias de vida y momentos significativos en es sus historias.


Marcela Roldán

Nacida en la ciudad de Puebla el 23 de agosto de 1995. Licenciada en Arte Contemporáneo por la Universidad Iberoamericana Puebla en 2020. Ha colaborado y es miembro fundador del proyecto Interacciones plataforma de vinculación entre artistas en formación; promotor de diálogo con distintos agentes del arte contemporáneo en la ciudad de Puebla, creado en 2017.

En el 2018, realizó un intercambio académico en la Universidad de Nebrija en Madrid, España. Posteriormente, ese mismo año, realizó su servicio social en el departamento de Asuntos Latinos de Catholic Charities Chicago, atendiendo a migrantes en la ciudad. Actualmente coordina el departamento de mediación del Museo Internacional del Barroco. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas desde 2017, destacando sus participaciones El coraje del Ímpetu en la era del yo en la Capilla del Arte, siendo co-curadora y participante de la exposición colectiva If i got paid for all my emocional labor en 2019 en la galería, Proceso Abierto, en [De]limitaciones [In] ciertas en Reforma 917 en Puebla y en Imágenes Emergentes en San Pedro Museo de Arte.

Ha tenido dos exposiciones individuales, No hay estructura inquebrantable en 2019 en Punto Seis, espacio para la experimentación artística en San Andrés Cholula y Where did the house go? En Reforma 917 en 2020.
Fue curadora de la muestra Procesos de singularización En el Museo Taller Erasto Cortés y de Estrategias de Colocación de la artista María José Benítez en Munive Contemporáneo, Tlaxcala.
Sus intereses abarcan la curaduría educativa, la teoría afectiva, la micro política, el uso del espacio público y los conceptos de destrucción y rastro; los cuales aborda desde distintas practicas como la mediación, la producción artística y la curaduría.

La pieza consiste en 8 azulejos de 20×20 cm, en ellos están impresos dibujos de espacios ficticios generados con cabello y polvo.


Gabriela Flores

Soy Gabriela, mexicana que reside en el Edo Mex, estudie diseño y comunicación visual, pero desde pequeña me he interesado por el arte como una percepción de mi entorno que ha ayudado en la deconstrucción de mi ser.

La cromatología femenina es una obra sensorial que manifiesta un pensamiento visual, erótico y artístico; es una mirada en lo más profundo del ser, una reflexión sobre identidad femenina y amor propio. Donde la precisión a las referencias del color cromatológico son fundamentales para los principios y las técnicas del alma con una premisa indiscutible: SOY MUJER y puedo tener las combinaciones que yo quiera!


Iurhi Peña

Iurhi Peña (1989, D.F.) estudió la Licenciatura en Artes Visuales por parte de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, es dibujante interesada en explorar los feminismos desde la gráfica y diferentes plataformas de difusión. Ha sido parte de diversos colectivos de mujeres en la ciudad (Autoeditoras: Hacemos Femzines, Rosa Chillante, entre otros).

Actualmente es parte de la microeditorial femmecuir independiente Beibi Creyzi de libros, fanzines y gráfica de mujeres y personas que existen fuera de la heteronorma en México con lazos en diferentes lugares de Latinoamérica, con la que participa en diferentes ferias y eventos de libros de arte y autoedición.

Ocho gifs de personas cyborg no normativas utilizando tecnología imaginaria para expandir su placer.


Mnky Up4

Mónica Aguilar (1986, México CDMX)
Lic. en Diseño de la Comunicación Gráfica. UAM-Xochimilco. Diseñadora Gráfica por vocación y Artista Multimedia por pasión. El desarrollo de mi vida profesional siempre ha transitado entre el arte y el diseño, como Artista Digital me valgo de técnicas como el Video Mapping, el Vjing, la Experimentación Visual, el Glitch Art, el Código y la Animación para el desarrollo de Instalaciones Digitales, Piezas Inmersivas y Shows Audiovisuales.
Co – fundadora de «Laboratorio 118». Estudio creativo independiente formado en el 2012 para el desarrollo de proyectos de diseño y arte digital. El trabajo en Laboratorio118 me ha permitido colaborar con distintos artistas y presentarme en importantes foros internacionales, como el Ateneus de Fabricación en Barcelona, el Festival Who´s Next Internacional Trade Show en París, Francia y el Centro Sociale Casaloca en Milan, Italia. Mientras que en foros nacionales como Galería La 77, el Lunario del Auditorio Nacional, el Festival Internacional de Mapping de Morelia, el Abierto Mexicano del Diseño, el Carnaval de Bahidorá, Festival Locomoción y Festival Hipnosis.
Co – fundadora de «Festival HelloWorld». Festival de Mujeres y Creatividad Digital en la Ciudad de México, donde se busca visibilizar y proyectar la presencia femenina dentro del arte y la tecnología. Desde el 2013 trabajo en la gestión, difusión, producción y coordinación del festival, vinculando a mujeres artistas con instituciones, organizaciones, medios, gestores y público en general, con el objetivo de fortalecer el liderazgo de las mujeres dentro del arte y la tecnología.

Pieza performática de meditación inmersiva 360º para VR / EVE* Desarrollo de una experiencia VR por medio de la técnica Embodied Virtual Reality. Un encuentro entre lo virtual y lo real para relacionar físicamente una práctica de meditación en realidad virtual con una expresión de amplitud espiritual, un viaje entre dimensiones que dan forma a la pregunta: ¿qué hay del otro lado del cuerpo?


Colectivo Bizarra

Colectivo de Artes Escénicas creado a principios de 2019, comprometido con la exploración del cuerpo desde distintas disciplinas y lenguajes, con el objetivo de potencializar las capacidades del mismo.

Actualmente está conformado por Sara Pau Aló, Galilea Castillo, Abigail Ramírez, Blanca Daniela Ramírez, Maya Loza y Alejandro Ponce.

Juego virtual donde el ejecutante cumple con todas las órdenes que el público le indique en tiempo real, por más extrañas, sencillas o complicadas que parezcan. Los ejecutantes las realizarán sin excepción, a medida de sus posibilidades, y si alguna acción pusiera en riesgo su salud o integridad, tienen la opción de llevarla a cabo de forma metafórica. Como espectador se puede escoger desde qué ropa usa el ejecutante, hasta cómo interactúa con los objetos y espacio donde se encuentra, también será capaz de provocar que el ejecutante lleve a la corporalidad de distintas maneras una historia o anécdota propia.

El propósito es concientizar sobre las formas de violencia que surgen a raíz del proceso natural evolutivo de la interacción de las sociedades al desarrollarse nuevas tecnologías y la capacidad real que tienen nuestras acciones y palabras de transgredir aún a través de una pantalla. Así mismo, se busca identificar los deseos y pensamientos que despiertan cuando tenemos un “cuerpo a nuestra disposición”.


Dientes Molares

Dientes molares es un colectivo conformado por Leslie Cortés y Omar Matadamas; es una analogía en la que se hace alusión a los dientes como herramientas para mascar y triturar. En este proyecto se busca mascar y triturar nuestras nociones de individualidad, el tiempo calificado pertinente, para pasar a un flujo del mismo; un flujo en el que no hay mejor momento sino un dispositivo (cuerpo, red, app) en busca de situar una capacidad de acción. Capacidad para la mediación reflexiva para localizar las estrategias de repetición subversiva.

La trasmisión en vivo consistirá en una serie de acciones realizadas por ambos integrantes en un mismo espacio. Ejecutarán una interacción que comenzará de manera sutil con gestos y acciones que gradualmente irán tornándose exacerbádas.


Eréndira Gómez

Eréndira Gómez-Espinosa nació en Martínez de la Torre, Veracruz. Se escuentra cursando Proyecto Imaginario Latinoamérica (2020-2021). Actualmente es Becaria PECDA/FONCA Veracruz (2020-2021). Estudió el Seminario de Producción Fotográfica del Centro de la Imagen (2019-2020). Cursó estudios en Biología y Fotografía en la Universidad Veracruzana. Está interesada en generar piezas híbridas que cuestionen las diferentes fronteras de nuestra relación con la naturaleza y busca crear grietas donde quepan nuevas posibilidades de relacionarnos de maneras más equilibradas con los ambientes socioecológicos. Sus piezas abren diálogos sobre la representación y curación de los cuerpos dentro de las fotografías desde una perspectiva animista. En 2018 fundó junto con otros artistas veracruzanos el colectivo interdisciplinario MUTANTE, un laboratorio donde exploran de manera colectiva procesos de creación artística contemporánea. Sus proyectos <<Curar el Ojo, un archivo desobediente>> y <<Zapatos para bailar la ansiedad>> fueron seleccionados por el Dior Photography & Visual Arts Award en Arles, Francia (Les Rencontres d’Arlés). Su trabajo también ha sido seleccionado dentro de Blurring the Lines: concurso auspiciado por FOTODOK, European Cultural Center, Fujifilm y el Paris College of Art.

Muchas mujeres a través de la historia han sido violentadas debido a la práctica de cuidados mágicos. Estos cuidados son emancipatorios ya que cuando nos cuidamos juntas surgen aprendizajes donde nos hacemos dueñas de nuestros cuerpos. Estas lógicas dentro de las prácticas curativas van en contra de un conjunto de estrategias orientadas a dirigir las relaciones de poder para hacer de la vida algo administrable, es decir el biopoder. Por esta razón es que estos cuidados mágicos se llevan a cabo desde lugares de resistencia.

Decido mostrar estos rituales mágicos ante la cámara, que también participa dentro de ellos, para visibilizar el pensamiento animista que constituye otra manera de relación más horizontal con la naturaleza.
Y al mismo tiempo realizo un homenaje a las magas/curanderas que les prohibieron usar estos saberes y que han sido violentadas al usarlo. El homenaje me permite visibilizar estos procesos velados. A través de las intervenciones que hago en las fotografías de archivo utilizando elementos como luz de luna y de sol, con hilos, miel, agua de luna y otros elementos que se utilizan dentro de los rituales. Estos símbolos dentro la cosmovisión de las magas/curanderas producen, mantienen y activan relaciones entre las cosas y sus órdenes animistas (las cosas, animales, plantas y objetos tienen alma y constituyen materia sensible). Se abren contactos primordiales con la naturaleza a través de la reinvención de un imaginario compartido y es desde aquí donde la fotografía posee la potencia de interrelacionarse con el mundo natural de manera animada ya que es una huella viva y por lo tanto es capaz de curar y ser curada.


Gabrielle Nicolás (Nico)

Inicia su carrera artística en 2016 con su proyecto de ilustración “Rojx como sangre” con el cual continúa presentándose en bazares, eventos de auto-publicación y poesía. Estudio en la Universidad del Claustro de Sor Juana la carrera de Estudios e Historia de las Artes y se ha especializado en talleres de teñido textil, bordado con aguja mágica (taller 2 coyotes), serigrafía textil y otros soportes (taller piso 4), cerámica utilitaria con impresión serigráfica y azulejo tridimensional (ARTA Cerámica) para el enriquecimiento de su producción y un mayor conocimiento de distintos materiales y medios de trabajo en talleres de producción artística. Ha gestionado su propio proyecto, así como eventos de venta de arte y publicaciones independientes en el Estado de México (Guau! Bazar 2019). Ha colaborado en portadas y diseño de publicaciones independientes como: “Tu artista favorito” (Ed. Super Ediciones Prisma. Augusto Sonrics. 2019) y auto publicaciones como: “⽬ (ojo)” (Serigrafía sobre papel y pastas de madera, 2019) Resumen: Recopilación de miradas representativas de distintos periodos de la cultura japonesa; “Llora como perro” (Libro de artista desplegable. Tela de algodón con ilustraciones de autor en serigrafía textil, 2019) Resumen: Una exploración visual del autor de la experiencia en la identidad no binaria y las enfermedades mentales heredadas.

Arte-libro textil con una serie de dibujos que abordan momentos de la experiencia como persona no binaria fuera de una narrativa lineal.


Los Muros

Somos siete artistas mujeres fronterizas que desde nuestro quehacer construimos y deconstruimos nuestra identidad en relación con nuestra condición de cuerpos que habitan el límite norte de Latinoamérica con Estados Unidos en Ciudad Juárez, México. Ser mujeres de frontera no es lo único que nos define, pero sí es determinante para nuestra experiencia.
Exploramos el cuerpo desde diferentes perspectivas, mediante diversas disciplinas como: fotografía, video, dibujo, pintura, archivo, instalación y performance. Decidimos trabajar juntas por primera vez para realizar esta reflexión, a través de ejercicios relacionados a la cartografía corporal mediante una serie de ejercicios vinculados con nuestras practicas artísticas. Para ello, recorrimos la ciudad desde una conciencia de la presencia, para luego resignificar el espacio desde nuestros cuerpos.

El 13 de octubre del 2019 llevamos a cabo una serie de acciones de las cuales surgieron objetos, imágenes, ilustraciones y textos testimoniales. Recorrimos Ciudad Juárez desde uno de los extremos al sur donde vive Mairé. Pasando por los territorios que cada una habitamos en nuestra cotidianidad. Llegamos hasta el Puente Internacional Santa Fe por el cual cruzamos la frontera hacia El Paso. Tx, y visitamos el barrio de Iris al otro lado, mientras Nayeli tuvo que esperarnos del lado mexicano por no tener documentación migratoria.

Este fanzine contiene el imaginario de nuestra experiencia que sintetiza como el territorio determina nuestra identidad y nuestros cuerpos. Concluimos que toda la ciudad y sus dinámicas de explotación y precariedad es una barrera de contención y que los muros no son para siempre, son un constructo que se diluye y desaparece en la medida que los transgredimos y los cuestionamos.
El proyecto se inscribe en la convocatoria de Franziska en la sección de Imaginario cuestionando los discursos normativos de género ya que nuestra acción, busca evidenciar una contrahistoria de como se piensa el territorio fronterizo en relación con la experiencia del cuerpo particularmente de las mujeres que lo habitamos.

Mesa de exhibición y sesión de book jockey
La pieza originalmente es una acción que desemboca en un fanzine. La mesa y el book jockey buscan llevar a una pieza expositiva esta experiencia buscando que lxs espectadores puedan acceder a los materiales de registro, archivo y puedan leer el fanzine físicamente.


Martha Riva Palacio

Escritora y artista sonora, nació en la Ciudad de México. Estudió la licenciatura en psicología y la maestría en artes visuales. Colaboradora en el colectivo de literatura, arte y ciencia Cúmulo de Tesla, ha presentado sus paisajes sonoros en espacios como el Museo de Arte de la Universidad de Arizona, el Festival Soundasaurus, el Simposio de Paisaje Sonoro del FKL, el Centro de Ciencias de la Complejidad (UNAM) y las conferencias mundiales de Ecología Acústica de la WFAE.

Este video muestra en cámara rápida un detalle de la ventana de mi baño de noche: helecho, gotas de lluvia; las luces de los pocos coches que pasan por la calle se transforman en presencias no humanas que aparecen y se desvanecen acompañadas de un paisaje sonoro compuesto por un coro de grillos cantando en distintas frecuencias. Especies vecinas que me acompañan en mi travesía de la recámara, al baño, al estudio, a la recámara. Al igual que Otto Brunfels, también las escucho hablar a las plantas en las horas más oscuras que anteceden al alba.


Nicole Chaput

Nicole Chaput (México, 1995) es una artista visual que vive y trabaja en la Ciudad de México. Su práctica está basada en la pintura al óleo y escultura blanda, siempre retomando la pintura como no sólo un cuerpo pictórico, sino también un organismo con sistemas que acarician y mastican al ojo que la desviste. El pincel, la palabra, el gancho de tejer, el bisturí, la brocha y la tijera se convierten en una prótesis de su propio cuerpo; un ducto de transferencia entre el cuerpo del objeto artístico y el cuerpo que Nicole habita. Es así que ella y sus objetos engendran una criatura paralela que permite hacer del cuerpo un laboratorio que violenta su propia representación para poder reconfigurarse.

Estudió su licenciatura en las Bellas Artes en School of the Art Institute of Chicago (2018) y fue seleccionada para participar en Skowhegan School of Painting and Sculpture, ME, EUA (2019). Fue becaria del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2018-2019). Ha participado en exposiciones en México, Estados Unidos y el Reino Unido. En México su obra ha sido expuesta en museos, galerías, espacios independientes, edificios abandonados y ferias de arte. Sus exposiciones más recientes incluyen: Busca Vísteme ¡Mala Combinación! (Fuego CDMX, 2020), una muestra a dúo con Israel Urmeer; 3 Flimsy tongues (Chalton Gallery, 2020); su primera exposición individual Ojo histérico, curada por Ana Segovia (Casa Equis, 2019); Creación en Movimiento (Antiguo Museo San Ildefonso, 2019); y una muestra colectiva en Material Art Fair (2020).

Filete/Filette propone una renegociación de la pintura como una imagen en movimiento que juega y entreteje las jerarquías de los materiales tradicionales de la pintura y la concepción de la imagen. Filete/Filete cuenta con una tecnología de espantapájaros: hace presente lo que esta ausente en cuerpo. El cuerpo se piensa como una pantalla pictórica que arropa los desgarres del organismo psíquico. Mientras más volteo la pintura de adentro para fuera, mas puedo hacer lo mismo con mi propio cuerpo.


Pamela de Alva

Pamela De Alva estudió Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM y formó parte del Seminario de Arte Sonoro de la Academia de San Carlos. Ha tomado talleres de cine expandido en el Laboratorio Experimental de Cine y Casa del Lago. Formó parte del workshop y exposición colectiva
Puro Teatro con Marcos López. Ha expuesto obra en Espacio Llorar y en la Galería Autónoma FAD. Participó en el Coloquio experimental Filosofía Pop y nuevas imágenes del pensamiento FFyL UNAM. Actualmente forma parte del colectivo ¼ Emancipado.

Serie de ochenta diapositivas de archivo familiar huérfano intervenidas con barniz, tinta, pegamento y cloro; reproducidas en un proyector de carrusel a 10 segundos por diapositiva.


Sofía Hinojosa

Sofía Hinojosa. (Ciudad de México, 1992). Estudió una licenciatura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Su trabajo investiga políticas y estructuras del lenguaje y su representación y relación con el olvido. Ha expuesto de manera individual en la Ciudad de México en Salón Silicón y en Tabasco 258. Su trabajo ha sido parte de exposiciones colectivas en la Ciudad de México, Culiacán, Oaxaca, Monterrey, Estados Unidos y Viena. Fue beneficiada con el programa FONCA Jóvenes creadores 2018-2019. Es colaboradora de la plataforma vanosonoro.com

Proyecto que desarticula el programa de la UNESCO “Memoria del Mundo”. A partir de 5 lecciones que, a través de la ironía y la ficción, contraponen la versión oficial con la que se encuentra detrás del velo institucional.


Yorely Valero

Bogotá, Colombia, 1992. Artista visual. Dentro de su trabajo busca situaciones donde lo cotidiano y lo obsoleto, bien sea por la normalización de su presencia, su desuso, su temporalidad o su ineficacia, participan de la categoría de residuo. A partir de ello se pregunta por asuntos como el tiempo, los fenómenos naturales y nuestra posición en el universo. Vive y trabaja en Ciudad de México donde cursa el Programa Educativo SOMA. Desde 2012 ha mostrado su obra en diferentes exposiciones, entre ellas el III Salón de arte joven (Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá, 2019); HERE/NOW: Current Visions from Colombia (Framer Framed, Ámsterdam, 2019), Todo lo tengo; todo me falta (Arte Cámara, Feria Internacional de Arte de Bogotá ArtBo, 2018). Ganadora de la Beca para proyectos editoriales independientes – 45 Salón Nacional de Artistas (2019), Beca para colombianos en proceso de formación artística y cultural en el exterior (2019) y de la residencia en Lugar a Dudas (Cali, 2018) del Ministerio de Cultura de Colombia.

Después de fijarme en las diferencias de color de las luces en las estaciones de metro en Ciudad de México, comencé a registrarlas en fotografías y videos (en el caso de las que tenían algún tipo de intermitencia). Este material fue la base para crear una composición en video que responde a un interés por la luz, el espacio y una noción de infinito que se asocio con lugares de tránsito como las estaciones. La video instalación funciona de manera inmersiva, donde una secuencia constante de luces transita alrededor de quien observa.

Back to Top